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Una curaduría más allá de las fronteras

17 January 2026

La curaduría transfronteriza es una postura curatorial más que una ambición geográfica. Parte del reconocimiento de que las prácticas de diseño significativas a menudo se desarrollan al margen de los centros dominantes, los ciclos impulsados por el mercado y el consenso estilístico. En Lythore, la curaduría se guía por el proceso, la inteligencia material y las condiciones en las que se crean los objetos, no por el origen como etiqueta.

Trabajar en distintos territorios permite la coexistencia de distintas temporalidades, técnicas y relaciones con la creación. Cada práctica tiene su propio ritmo, moldeado por los recursos locales, el contexto cultural y el enfoque individual. En lugar de buscar la coherencia visual, la curaduría preserva la diferencia, permitiendo que cada objeto conserve la especificidad de su creación y la huella de su entorno.

En un panorama global del diseño cada vez más homogeneizado, la distancia se convierte en una herramienta curatorial. Protege los gestos singulares de la asimilación, mantiene la honestidad material y resiste los efectos aplanadores de la circulación de las tendencias. La selección privilegia las prácticas que operan al margen de los sistemas industriales, donde el tiempo, el trabajo y el proceso permanecen visibles e irresueltos.

La curaduría transfronteriza no se trata de acumulación, sino de ubicación. Los objetos se relacionan sin eliminar el contraste, creando una colección estructurada por el diálogo en lugar de la uniformidad. Con este enfoque, Lythore actúa como una plataforma editorial donde el diseño se presenta como una constelación de prácticas moldeadas por el contexto, la moderación y la intencionalidad.

Este artículo reúne a tres diseñadores cuyo trabajo demuestra cómo el patrimonio puede mantenerse activo y significativo hoy en día. Mediante la disciplina, la colaboración y el respeto por la lógica material, sus prácticas demuestran que lo que perdura en el diseño no es el estilo, sino el conocimiento moldeado a través del tiempo, el uso y la transmisión.

Arraigado en la disciplina, la repetición y la humildad material,Kim Byungsub aborda el patrimonio como una práctica vivida, más que como un legado preservado. Su obra se basa en las tradiciones artesanales coreanas, donde la creación es inseparable del tiempo, la paciencia y la moderación. El gesto se perfecciona mediante años de repetición, despojándose del exceso hasta que solo queda lo esencial. No se prioriza la innovación como ruptura; en cambio, la forma evoluciona mediante la continuidad, la precisión y una adaptación silenciosa.

Los materiales se abordan con profundo respeto por su lógica inherente. La veta, el peso, el equilibrio y la resistencia guían cada decisión, permitiendo que la materia dicte la forma y no a la inversa. Los movimientos son mínimos, controlados y deliberados, moldeados por la comprensión de que la maestría no reside en la expresión, sino en la consistencia. Las marcas de las herramientas, las uniones y las proporciones reflejan un proceso donde nada es apresurado ni ornamental.

En la práctica de Kim Byungsub, el patrimonio no se referencia visual ni simbólicamente. Está arraigado en valores: la paciencia sobre la velocidad, la claridad sobre el efecto y la transmisión sobre la autoría. Sus objetos transmiten una autoridad serena, moldeados por el conocimiento transmitido de mano en mano, no por textos. Nos recuerdan que el patrimonio perdura no por la imitación, sino por el rigor, la repetición y un compromiso inquebrantable con el bien hacer.

Foto: Narrative 002, Kim Byungsub

Respaldado por un profundo compromiso con la artesanía,Jagdish Sutar se acerca al patrimonio a través de la interacción directa con el material, en lugar de a través de la preservación formal. Su práctica se desarrolla mediante técnicas tradicionales de carpintería, donde el tallado, la modelación y la repetición de gestos sustentan el conocimiento a lo largo del tiempo. La mano guía el proceso, guiada por la experiencia, el ritmo y una profunda comprensión de la madera como material vivo.

El gesto en la obra de Sutar es instintivo pero disciplinado. Las herramientas dejan marcas visibles, las superficies conservan irregularidades y las formas se mantienen ligeramente crudas. Estas huellas no se corrigen ni se ocultan; son parte integral de la identidad de cada pieza. Mediante este enfoque, el legado no se estetiza, sino que se materializa, presente en peso, proporción y tacto.

Al permitir que la artesanía y el diseño contemporáneo coexistan sin jerarquías, Sutar crea objetos que se sienten arraigados y actuales. Su obra no busca preservar la tradición intacta, sino mantenerla activa, asegurando que el conocimiento perdure a través del uso, la repetición y la serena autoridad de la mano.


foto: Family Daybed, Jagdish Sutar

Fundada por Salvador Compañ, Lørdag y Søndag aborda el patrimonio como una práctica colectiva y en evolución, moldeada por la colaboración más que por la autoría. Trabajando en estrecha colaboración con maestros artesanos de todo México, el estudio trabaja con técnicas profundamente arraigadas en la geografía, el clima y las historias locales. Aquí, el patrimonio no se trata como un repertorio fijo que debe preservarse, sino como un sistema vivo que cobra relevancia mediante la reinterpretación.

Materiales como piedra volcánica, fibras naturales, madera, mármol y bronce se eligen por su resistencia física y profundidad histórica. Cada uno lleva consigo la memoria del lugar y el proceso, moldeado por paisajes y manos a lo largo de generaciones. El gesto se desarrolla lenta y colectivamente, guiado por ritmos artesanales aprendidos mediante la repetición. Las marcas de herramientas, las texturas y las irregularidades permanecen visibles, no como efectos estilísticos, sino como evidencia de una creación compartida.

La obra de Lørdag & Søndag equilibra la autenticidad con la intención contemporánea. Las formas se refinan sin borrar el origen, permitiendo que las técnicas ancestrales coexistan con la claridad escultórica y la proporción moderna. En esta tensión entre continuidad y transformación, sus objetos parecen menos diseñados que revelados. Se yerguen como artefactos moldeados por el tiempo, el conocimiento y la transmisión cultural, con una autoridad discreta que refleja el legado no como nostalgia, sino como una práctica que se mantiene viva mediante el cuidado y la colaboración.

foto : Artefacto Fiber - Chan Maák (Pol) - Lørdag & Søndag