Une curation au-delà des frontières

17 January 2026

Curating across borders est une position curatoriale plutôt qu’une ambition géographique. Elle repose sur le constat que les pratiques de design les plus significatives se développent souvent en dehors des centres dominants, des cycles dictés par le marché et des consensus stylistiques. Chez Lythore, la curation est guidée par le processus, l’intelligence de la matière et les conditions dans lesquelles les objets sont fabriqués, et non par l’origine comme simple étiquette.

Travailler à travers les territoires permet la coexistence de temporalités, de techniques et de rapports au faire distincts. Chaque pratique possède son propre rythme, façonné par les ressources locales, le contexte culturel et l’approche individuelle du créateur. Plutôt que de rechercher une cohérence visuelle, la curation préserve les différences, permettant à chaque objet de conserver la spécificité de sa fabrication et la trace de son environnement.

Dans un paysage du design mondial de plus en plus homogénéisé, la distance devient un outil curatorial. Elle protège les gestes singuliers de l’assimilation, maintient l’honnêteté des matériaux et résiste aux effets d’aplanissement liés à la circulation des tendances. La sélection privilégie des pratiques situées en marge des systèmes industriels, où le temps, le travail et le processus restent visibles et non résolus.

Curating across borders ne relève pas de l’accumulation, mais du positionnement. Les objets sont mis en relation sans effacer les contrastes, donnant naissance à une collection structurée par le dialogue plutôt que par l’uniformité. À travers cette approche, Lythore agit comme une plateforme éditoriale, où le design est présenté comme une constellation de pratiques façonnées par le contexte, la retenue et l’intention.

Cet article réunit trois designers dont le travail démontre comment le patrimoine peut demeurer vivant et pertinent aujourd'hui. Par la rigueur, la collaboration et le respect de la logique des matériaux, leurs pratiques montrent que ce qui perdure en design n'est pas le style, mais un savoir façonné par le temps, l'usage et la transmission.

Enraciné dans la discipline, la répétition et l'humilité matérielle,Kim Byungsub conçoit le patrimoine comme une pratique vécue plutôt que comme un héritage préservé. Son œuvre s'enracine dans les traditions artisanales coréennes où la création est indissociable du temps, de la patience et de la maîtrise. Le geste se perfectionne au fil des années de répétition, dépouillé de tout superflu jusqu'à ne conserver que l'essentiel. L'innovation n'est pas ici envisagée comme une rupture ; au contraire, la forme évolue par la continuité, la précision et un ajustement subtil.

Les matériaux sont abordés avec un profond respect pour leur logique intrinsèque. Le grain, le poids, l'équilibre et la résistance guident chaque décision, laissant la matière dicter la forme plutôt que l'inverse. Les gestes sont minimes, maîtrisés et délibérés, guidés par la conviction que la maîtrise réside non dans l'expression, mais dans la constance. Les marques d'outils, les assemblages et les proportions témoignent d'un processus où rien n'est précipité et où rien n'est superflu.

Dans la pratique de Kim Byungsub, l'héritage n'est pas évoqué visuellement ni symboliquement. Il s'inscrit dans des valeurs : la patience plutôt que la rapidité, la clarté plutôt que l'effet, et la transmission plutôt que la paternité. Ses objets dégagent une autorité sereine, façonnée par un savoir transmis de main d'homme plutôt que par des textes. Ils nous rappellent que l'héritage perdure non par l'imitation, mais par la rigueur, la répétition et un engagement indéfectible envers l'excellence.

Photo : Narrative 002, Kim Byungsub

Soutenu par un profond engagement envers le travail artisanal,Jagdish Sutar aborde le patrimoine par un contact direct avec la matière plutôt que par une préservation formelle. Sa pratique se déploie à travers des techniques traditionnelles de travail du bois, où la sculpture, le façonnage et les gestes répétitifs perpétuent le savoir à travers le temps. La main guide le processus, portée par l'expérience, le rythme et une compréhension intime du bois comme matière vivante.

Dans l'œuvre de Sutar, le geste reste instinctif tout en étant maîtrisé. Les outils laissent des marques visibles, les surfaces conservent leurs irrégularités et les formes restent légèrement brutes. Ces traces ne sont ni corrigées ni dissimulées ; elles font partie intégrante de l'identité de chaque pièce. Par cette approche, le patrimoine n'est pas esthétisé mais incarné, présent dans le poids, les proportions et la tactilité.

En laissant coexister artisanat et design contemporain sans hiérarchie, Sutar crée des objets à la fois ancrés dans la tradition et résolument modernes. Son travail ne vise pas à figer la tradition, mais à la faire vivre, assurant ainsi la pérennité du savoir-faire par l'usage, la répétition et la maîtrise discrète du travail manuel.

photo : Family Daybed, Jagdish Sutar

Fondé par Salvador Compañ,Samedi et dimancheL'atelier conçoit le patrimoine comme une pratique collective et évolutive, façonnée par la collaboration plutôt que par la création individuelle. Travaillant en étroite collaboration avec des maîtres artisans à travers le Mexique, il s'inspire de techniques profondément ancrées dans la géographie, le climat et l'histoire locale. Le patrimoine n'est pas ici perçu comme un répertoire figé à préserver, mais comme un système vivant qui se renouvelle par la réinterprétation.

Des matériaux comme la pierre volcanique, les fibres naturelles, le bois, le marbre et le bronze sont choisis pour leur résistance et leur histoire. Chacun porte en lui la mémoire d'un lieu et d'un processus, façonné par les paysages et le travail des mains au fil des générations. Le geste se déploie lentement et collectivement, guidé par les rythmes d'un savoir-faire acquis par la répétition. Les marques d'outils, les textures et les irrégularités demeurent visibles, non comme des effets stylistiques, mais comme le témoignage d'une création partagée.

Le travail de Lørdag & Søndag conjugue authenticité et intention contemporaine. Les formes sont raffinées sans renier leurs origines, permettant ainsi aux techniques ancestrales de coexister avec la clarté sculpturale et des proportions modernes. Dans cette tension entre continuité et transformation, leurs objets semblent moins conçus que révélés. Ils se dressent comme des artefacts façonnés par le temps, le savoir et la transmission culturelle, porteurs d'une autorité discrète qui reflète un héritage non pas comme une nostalgie, mais comme une pratique perpétuée par le soin et la collaboration.

photo : Artefacto Fiber - Chan Maák (Pol) - Lørdag & Søndag

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